仲 敬（上海知名美术评论家）

沈保良是我在桐乡认识的花鸟画家，记得那次“嘉宾”了由谢海策展的某次活动，保良是作为吴一峰艺术馆馆长的身份出席这次活动的。就这样，在匆匆忙忙中认识了保良，保良也在匆匆忙忙中拿出他的作品照片让我多多“指教”。而在一一查看作品后，顿时觉得真是江南多才俊啊！回到上海后，一直记得保良的作品，也一直记得与保良就艺术创作、艺术风格等画事方面的短暂交流。

说到画事，曾有人问我：就你当下的所为，你最烦的是那一桩事情？我脱口而出说是“画事”。为什么说是画事呢？事实上如今的画展、画册、画廊等各种活动如研讨会、欣赏会、评奖会，画家方面的国际大师、国际美协、国际友人，国内方面的“独树一帜”画家、“大红袍”画家、“共和国功勋”画家等到莫明其妙的头衔、称号之类，都搞得我晕头转向。反正在当下的艺术界，我个人的结论是：没有不是中国大画家、主席、院长的，很少有干干净净、纯粹到“画家”两个字的，也没有不是著作、画册、月历等遍地开花地乱飞的，也很少有画家说：我没有出过书等等的。事实上，我由于在艺术市场混过一段时间，对画家的行为以及对画家的作品，已可谓“见多识广”。看得多，就知道得多，所以目前能入我眼的艺术家及作品真是越来越少，而装腔作势、装神弄鬼的画家则不在少数。而在我看来，保良至少拥有一颗纯净的心，所以他的作品是纯净的，纯朴的，甚至是纯正的；所以保良的作品是发自其内心的清唱，字正腔圆，清风明月，清清爽爽。他无论是工笔，还是写意，都秉承了“纯”字和“清”字。“纯”是保良作品的骨，“清”是保良作品的神；其笔墨苍劲而工整，极富秀雅之美。由于保良的艺术创作抓住了“纯”“清”这两个字，方向明确，所以创作起来就完全自我，他不刻意去模仿谁，也不会去做追随者，在风格上完全自我，自由生发。追求作品如何能表达最佳意趣和审美情趣，放手次要的，用足主要的，以意造境，成竹在胸，境由心生，情态如歌，这些可以说是保良作品的基本机调。

比如保良有一幅作品叫《碧筱临风》，这幅作品可以毫不夸张地说应是保良的代表作，我认为也是其划时代的不可多得的一幅作品。该作品整个画面布局大气，构图完美，立意深远；艺术语言丰富高雅，在静与动、虚与满、空与实的宣纸上演绎了一场“外师造化、中得心源”的艺术历程，效果明显，令人难忘。

自古以来，任何一位有成就的绘画艺术大家，对自己所追求的笔墨语境、个人风格，从来都是心存敬畏的。保良亦然，他没有满足于传统笔墨形式上的开合之间，而是不断地求新、求变、求真、求不同；寻求中国画意境的再突破，以及画趣更新、格调更高的笔触语言。事实上，回头再看《碧筱临风》这幅画，就不难发现保良所做的努力和实践。《碧筱临风》整幅画也就三种物象：即竹、石、鸟，三种物象却构成了静、动、稳、空、虚相互依存的和谐关系。尤其在空间的处理上，保良不失时机地渲染了自然界生机盎然、欣欣向荣的美好景致。比如画面中黑色的八哥是动的，但是它被定格在将要飞过的碧筱之间；太湖石是稳固的，但是它的漏透又平缓了重心的偏移。总之，《碧筱临风》传达了保良的创造力和对作品的把持力，传达了花鸟画之外的人性美与人情味！

保良生于上世纪六十年代，那个时代的人，似乎就是在传统与现代之间平衡。从艺术家的角度去说，他们听到的、学到的、看到的也多是传统的教育要多一些；而基于创作、创造，如果老是传统下去，那么就谈不上“笔墨当随时代”，谈不上创新和个人风格的确立，陈陈相因也正是创造的大忌。这些，当然保良是深有感触的。现代人的审美意识大都是感官的，然后才是内容提要；无疑保良的作品向我们展现了这种笔法神采，线条自由，来龙去脉，直白到位；点线墨境，情景交融，浪漫抒怀。更重要的是保良始终保持对艺术的敬畏和敬重之心，始终保持对艺术的自觉，不敢马虎，不遗余力。我想艺术创作需要这样的艺术家，收藏家也需要这样认真的艺术家，同时我也坚信，保良今后的创作是不会让我们失望的。